Postimpressionnisme

Le postimpressionnisme n'est pas un mouvement au sens strict du terme — il ne repose pas sur un manifeste commun, un groupe constitué ou une doctrine partagée. C'est plutôt une étiquette commode inventée par le critique anglais Roger Fry en 1910, à l'occasion d'une grande exposition à Londres, pour désigner l'ensemble des artistes qui, dans les vingt-cinq années suivant la dernière exposition impressionniste de 1886, ont dépassé l'impressionnisme pour aller plus loin — chacun dans sa direction propre, mais tous partageant le refus de se limiter à la simple transcription des effets lumineux et atmosphériques que l'impressionnisme avait si brillamment accomplie.

Le point de départ : l'héritage et les limites de l'impressionnisme

Pour comprendre le postimpressionnisme, il faut comprendre ce que ses protagonistes ont ressenti face à l'impressionnisme. Tous lui doivent leur formation et leur point de départ — Cézanne, Van Gogh, Gauguin et Seurat ont tous traversé ou côtoyé l'impressionnisme. Mais tous ont fini par éprouver ses limites.

L'impressionnisme avait gagné une bataille décisive : le droit de peindre la lumière et la vie moderne. Mais en poussant à l'extrême la dissolution de la forme dans la lumière, il risquait de perdre la construction, la durée, la profondeur — la substance. Ce sentiment résume parfaitement la formule de Paul Cézanne : « Je veux faire de l'impressionnisme quelque chose de solide et de durable, comme l'art des musées. » Et c'est autour de cette insatisfaction commune — avec des réponses entièrement différentes — que se définit le postimpressionnisme.

Les grandes figures et leurs directions

Paul Cézanne (1839–1906) est souvent désigné comme le « père de l'art moderne ». Sa réponse aux limites de l'impressionnisme est de construire la forme et l'espace à travers la couleur, par des plans colorés qui s'emboîtent et se reconstruisent sur la surface de la toile. Sa série de la Montagne Sainte-Victoire, ses Grandes Baigneuses, ses natures mortes aux pommes : toutes ces œuvres cherchent une vérité géométrique et permanente sous les apparences changeantes de la lumière. Son influence sur le cubisme de Picasso et de Braque sera directe et décisive.

Vincent van Gogh (1853–1890) prend une direction radicalement différente : pour lui, la couleur et la touche ne sont pas des instruments de construction formelle mais des vecteurs d'émotion directe. Ses tourbillons de bleu dans La Nuit étoilée, ses champs de blé aux jaunes hallucinants, ses portraits aux couleurs intenses et arbitraires : tout cela est au service d'une expression psychologique et spirituelle qui préfigure directement l'expressionnisme.

Paul Gauguin (1848–1903) choisit une troisième voie : celle de la fuite hors de la civilisation occidentale et de la recherche d'une humanité primitive, spontanée et spirituelle. À Pont-Aven d'abord, puis à Tahiti, il développe un style de synthèse — aplats de couleurs pures cernés de contours sombres, compositions frontales et hiératiques — qui rompt délibérément avec la perspective et le naturalisme pour retrouver la force directe des arts primitifs.

Georges Seurat (1859–1891), dont le pointillisme constitue la réponse la plus scientifiquement construite aux limites impressionnistes, est également considéré comme un postimpressionniste majeur. Sa Grande Jatte et ses compositions ultérieures explorent la construction formelle par la couleur selon des lois optiques rigoureuses.

Moins célébrés mais non moins importants : Paul Signac (1863–1935), continuateur de Seurat ; Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901), dont la synthèse entre observation sociale et arabesque graphique japono-inspirée constitue un cas à part ; et Pierre Bonnard (1867–1947) et Édouard Vuillard (1868–1940), les Nabis, qui développent un postimpressionnisme décoratif et intime d'une grande originalité.

Ce qui les unit

Malgré leurs différences, les postimpressionnistes partagent quelques convictions communes. La première est que la couleur peut être utilisée librement, sans être contrainte par la reproduction fidèle de la réalité visible — qu'elle peut exprimer une émotion, construire un espace, signifier un concept, indépendamment de la couleur réelle des objets représentés. La seconde est que la forme et la structure comptent — qu'une peinture n'est pas seulement une vibration de lumière mais une construction organisée selon une logique qui lui est propre. La troisième est que l'art doit avoir une profondeur — émotionnelle, spirituelle ou formelle — qui dépasse la simple beauté visuelle d'un moment saisi sur le vif.

Un héritage fondateur

Le postimpressionnisme est l'une des périodes les plus riches et les plus décisives de toute l'histoire de l'art. Les quatre grandes figures du mouvement — Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat — sont parmi les dix peintres les plus aimés au monde, et leurs œuvres majeures figurent parmi les tableaux les plus chers jamais vendus aux enchères. Plus important encore, leur influence directe sur le cubisme, l'expressionnisme, le fauvisme et toutes les grandes tendances de l'art du XXe siècle fait du postimpressionnisme le véritable berceau de la modernité picturale.