Art abstrait

L'art abstrait est l'une des révolutions les plus profondes et les plus durables de toute l'histoire de l'art. Il désigne l'ensemble des œuvres picturales qui renoncent à toute représentation reconnaissable du monde visible — objets, figures, paysages — pour construire un langage visuel autonome, fondé uniquement sur les couleurs, les formes, les lignes et les textures. Ce que l'art abstrait représente, c'est la peinture elle-même — ses propres énergies, ses propres harmonies, ses propres tensions — ou les états intérieurs de l'artiste, sans passer par la médiation d'un sujet figuratif. Né au seuil de la Première Guerre mondiale, l'art abstrait a traversé tout le XXe siècle sous des formes d'une diversité extraordinaire, et reste aujourd'hui l'une des tendances dominantes de la création contemporaine.

La naissance : une révolution simultanée

La naissance de l'art abstrait est l'un des phénomènes les plus fascinants de l'histoire culturelle du XXe siècle : plusieurs artistes, dans des pays différents et sans concertation, franchissent presque simultanément le pas vers la non-figuration entre 1910 et 1915.

Wassily Kandinsky (1866–1944) est généralement reconnu comme le premier à avoir réalisé délibérément une œuvre entièrement abstraite, vers 1910–1911. Son traité Du spirituel dans l'art (1911) pose les fondements théoriques de l'abstraction : les couleurs et les formes ont une résonance intérieure spirituelle indépendante de tout sujet représenté, et la peinture — comme la musique — peut atteindre directement l'âme du spectateur sans passer par la représentation du monde visible. Cette conviction est nourrie par sa sensibilité musicale profonde et par les théories de la synesthésie — la correspondance entre sons et couleurs.

Piet Mondrian (1872–1944), artiste néerlandais, suit une trajectoire différente mais parallèle : parti du paysage naturaliste hollandais, il traverse le cubisme et aboutit progressivement à un langage de lignes droites horizontales et verticales et de couleurs primaires pures — le néoplasticisme — dont le manifeste théorique est développé dans la revue De Stijl (fondée en 1917). Pour Mondrian, l'abstraction n'est pas une fuite hors du réel mais une quête de la structure universelle cachée sous les apparences : la grille de la vérité absolue sous le voile des phénomènes.

Kazimir Malevitch (1879–1935), artiste russe, fonde le suprématisme vers 1913–1915. Son Carré noir sur fond blanc (1915) est peut-être l'œuvre la plus radicale de l'abstraction naissante : une forme géométrique simple, un contraste de noir et de blanc, aucun sujet reconnaissable, aucune référence au monde extérieur. Pour Malevitch, le suprématisme représente la « suprématie de la sensibilité pure dans l'art » — libérée de toute référence à la nature ou à la société.

Les grands courants de l'art abstrait

L'art abstrait n'est pas un style uniforme : il recouvre une diversité de tendances et de langages qui peuvent être regroupés selon deux grandes orientations.

L'abstraction géométrique travaille avec des formes géométriques simples — carrés, rectangles, cercles, triangles — organisées selon des principes d'ordre, de rigueur et de clarté. Mondrian et le mouvement De Stijl, le Bauhaus (avec Kandinsky, Klee, Moholy-Nagy), le constructivisme russe (El Lissitzky, Rodtchenko), puis dans les années 1950–1960 l'art concret, l'Op Art (Vasarely, Bridget Riley) et le minimalisme américain (Frank Stella, Ellsworth Kelly) en sont les principales expressions.

L'abstraction lyrique — ou abstraction gestuelle — laisse une place primordiale à la spontanéité, au geste, à l'expression directe de l'énergie vitale de l'artiste. Kandinsky dans ses Improvisations et ses Compositions de la période munichoise en est le fondateur. Après la Seconde Guerre mondiale, l'expressionnisme abstrait américain — Jackson Pollock (1912–1956) avec son dripping (peinture projetée directement sur la toile à même le sol), Mark Rothko (1903–1970) avec ses grandes surfaces de couleur flottantes, Willem de Kooning (1904–1997) avec sa gestualité explosive — constitue la grande vague de l'abstraction lyrique du XXe siècle. En France, la tachisme et l'abstraction lyrique (Wols, Hans Hartung, Georges Mathieu, Pierre Soulages) développent des équivalents européens de cette tendance.

Les questions que l'art abstrait pose

L'art abstrait soulève des questions fondamentales sur la nature même de la peinture. Si une œuvre ne représente rien de reconnaissable, comment la « lire » ? Comment l'évaluer ? Qu'est-ce qu'elle « dit » ?

Les réponses des artistes et des théoriciens sont diverses. Pour Kandinsky, la peinture abstraite parle directement à l'âme par la voie des couleurs et des formes — comme la musique. Pour Mondrian, elle révèle les structures universelles cachées sous le chaos du monde visible. Pour Rothko, ses grandes surfaces de couleur créent des espaces de méditation et d'émotion pure qui permettent au spectateur de faire l'expérience de sa propre intériorité. Pour Pollock, le geste même de peindre — le mouvement du corps, l'énergie projetée sur la toile — est le sujet de l'œuvre.

Ce que tous ont en commun, c'est la conviction que la peinture n'a pas besoin d'un sujet extérieur pour être signifiante — qu'elle peut produire de l'expérience, de l'émotion et du sens par ses seuls moyens propres : la couleur, la forme, la matière, le rythme, la composition.

Un héritage ouvert

L'art abstrait a profondément transformé notre façon de regarder la peinture. Il a élargi le champ de ce qu'une œuvre peut être et dire, et libéré les artistes de toute obligation de ressemblance. Ses grandes œuvres — les Compositions de Kandinsky, les grilles de Mondrian, le Black on Maroon de Rothko (Tate Modern), les drippings de Pollock — figurent parmi les expériences visuelles les plus intenses que l'art du XXe siècle ait produites, et continuent d'alimenter un débat sans fin sur ce que l'art peut et doit être.